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Mojo – Tom Petty & The Heartbreakers
Tom Petty è uno dei grandi del Rock. Lui forse non ha mai inventato niente di totalmente nuovo ma sempre ha saputo interpretare al meglio e con inconfondibile personalità gli stili già esistenti. I primi lavori di Tom Petty & Heartbreakers suonavano come i dischi dei Byrds ma allo stesso tempo erano freschi e autentici. Dopo trent’anni di onorata carriera la tradizione continua: l’ultimo lavoro di Tom Petty, suona come un disco degli Allman Brothers ma è allo stesso tempo originale al 100%.
“Mojo”, è un album intriso di blues e Rock sudista registrato in presa diretta dal vivo in studio, senza fronzoli e con poche sovraincisioni. E la cosa si sente eccome. Gli Heartbreakers sono dei musicisti d’altissimo livello e hanno una coesione totale. Quando si lanciano nelle ballate e nei lunghi brani di questo disco diventano davvero irresistibili. Già in secondo brano, il lungo e psichedelico “First Flash Of Freedom”, che dura quasi sette minuti, si può apprezzare il lavoro di ogni singolo elemento della banda; in particolare la chitarra solista di Mike Campbell e il fraseggio elegante di Benmont Tench alle tastiere.
“US 41” e “Takin My Time” sono due pezzi di puro Blues molto belli, anche se c’azzeccano poco con la musica di Tom Petty come la conosciamo. Forse servono a giustificare il titolo del disco. Quel “Mojo”, quell’alone di magia, tanto caro ai bluesman. Comunque ci stanno bene nella raccolta e hanno un loro perché.
Le cose più belle dell’album sono nascoste probabilmente nella notturna e appiccicosa “The Trip to Pirates Cove” e nella dolcezza asciutta di “No Reason To Cry” sorretta dalla steel guitar. C’è da aggiungere che canzoni deboli o brutte non c’è ne sono. Il livello qualitativo è sempre molto elevato.
In un’annata caratterizzata da diversi dischi eccellenti, questo “Mojo” si candida seriamente per il titolo del disco più bello, anche se non esiste una gara. In ogni caso è una conferma che dal punto di vista creativo Tom Petty & The Heartbreakers, ormai sessantenni, sono ancora una forza.
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Chamber Music Society – Esperanza Spalding
Un paio d’anni fa si parlava molto di Esperanza Spalding come uno dei migliori talenti musicali della sua generazione. In quel periodo lessi molte recensioni entusiastiche sul conto di questa giovanissima musicista ma per motivi che ora non ricordo non riuscii ad ascoltare nessuno dei suoi lavori. La pubblicazione del suo nuovo disco mi ha dato la possibilità di colmare finalmente questa mia lacuna.
“Chamber Music Society” è un lavoro brillante che fonde sapientemente il jazz con la musica da camera. Per certi versi assomiglia a“Scratch My Back” di Peter Gabriel, dove l’ex leader dei Genesis faceva un’operazione simile mischiando il Rock con la musica cameristica. Esperanza nonostante la giovane età (ha solo 26 anni) è una contrabbassista affermata e qui dimostra essere anche una brava cantante e raffinata compositrice. La musica è costruita su più strati con un tappeto sonoro creato da un trio d’archi che funge da sfondo per gli assoli degli altri strumenti. Gli arrangiamenti portano la firma di Gil Goldstein e lasciano ampio spazio all’improvvisazione dei solisti. Esperanza suona il contrabbasso e canta in modo sublime. Lei ha radici latine e ama la musica brasiliana. In “Chamber Music Society” c’è una spruzzata di musica brasiliana che si avverte sempre e che talvolta diventa più marcata fino a diventare il tema portante in alcuni brani. Alla batteria c’è Terri Lyne Carrington, che insieme alla stessa Esperanza al contrabbasso, dà vita ad una sezione ritmica tutta femminile e ciò è abbastanza inusuale. Un po’ di femminismo non fa male neanche nel jazz.
Esperanza Spalding è un talento eccezionale. Per avere un’idea delle sue capacità basta sapere che lei da sei anni, vale a dire da quando di anni ne aveva venti, insegna il contrabbasso a Berklee College Of Music di Boston. Ovvero insegna la musica in un’istituzione che tra i suoi allievi vanta molti tra i più grandi musicisti degli ultimi decenni. Niente male per una bambina nata in povertà. Lei è un fenomeno sul serio.
Titolo: Chamber Music Society
Artista: Esperanza Spalding
Anno: 2010
Produttore: Esperanza Spalding, Gil Goldstein
Etichetta: Heads Up International
[http://www.esperanzaspalding.com/]
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San Patricio – The Chieftains featuring Ry Cooder
“San Patricio” è un disco serio e rigoroso, quasi un documentario in musica che racconta la tragica storia del “battaglione di San Patrizio“, un’unità dell’esercito messicano ai tempi della guerra tra il Messico e gli Stati Uniti (1846 – 1848), formato interamente dai disertori Irlandesi dell’esercito americano. La saga del “Batallòn San Patricio”, come li chiamano in spagnolo, è una controversa vicenda storica che per gli Irlandesi americani è stata da sempre motivo d’imbarazzo, anche se quegli stessi soldati sono glorificati come eroi in Messico. La ragione della loro diserzione consisteva probabilmente nelle radici cattoliche che accomunava gli irlandesi con i messicani; oppure perché quei soldati irlandesi, maltrattati dagli americani, poveri in canna, e mandati a combattere una guerra ingiusta, sentivano di condividere più cose con i poveri messicani piuttosto che con gli americani. Insomma, stiamo parlando di una di quelle spinose questioni storiche, mai del tutto risolte, che di solito tutti tendono a lasciar stare.
Paddy Moloney, il leader degli irlandesi Chieftains, invece ha deciso di affrontare questo argomento scomodo e di raccontarlo con le note. Per la consulenza musicale Moloney si è rivoltod a una conduttrice radiofonica argentina esperta della musica sudamericana, tal Guadalupe Jolicoeur, che l’ha indirizzato verso un fiume di canzoni tradizionali messicane risalenti all’epoca in cui si svolgevano i fatti. I brani da incidere sono stati scelti tra tutto il materiale indicato da Jolicoeur insieme a Ry Cooder. Dopo nuovi arrangiamenti, riscritture, e aggiunta delle canzoni nuove scritte appositamente per l’occasione, tutto il materiale prescelto è stato affidato a uno stuolo di musicisti messicani che hanno affiancato i Chieftains e Cooder nelle varie sedute di registrazione in giro per il mondo. Il risultato di questo lavoro immane è un disco molto ben confezionato, asciutto ed equilibrato. Un album unico in suo genere.
Le sonorità sono soprattutto messicane con delle sfumature celtiche: è qualcosa di affascinante e di mai sentita prima. La maggior parte del merito va a Ry Cooder, uno che sa esattamente come prendere una canzone centennale e farla diventare attuale. La musica è molto particolare, potrebbe anche non piacere subito, ma una volta che entra in circolo è difficile fermare il loop. Anche perché queste canzoni parlano delle cose toste come la guerra e la morte e affrontano argomenti seri come le discriminazioni e la coscienza che ogni persona deve avere di fronte ai fatti grandi del mondo e perciò meritano comunque rispetto e attenzione. Le parole sono in spagnolo e in inglese. Ci sono delle maestose scorribande orchestrali con violini, flauti e chitarre messicane che fanno venire pelle d’oca. “San Patricio” è un riuscito tentativo di rilettura di storia attraverso la musica. Ogni canzone, oltre a narrare un pezzo degli avvenimenti, offre una prospettiva diversa sulla vicenda e questo è molto interessante.
Il momento focale del disco è la splendida “The Sands of Mexico”, firmata e cantata da Cooder, che mette le puntine sulle i e offre una versione semplificata dei fatti e aiuta a capire il significato di tutta questa operazione anche ad ascoltatore più sprovveduto come il sottoscritto.
Titolo: San Patricio
Artista: The Chieftains featuring Ry Cooder
Anno: 2010
Produttori: Paddy Moloney e Ry Cooder
Etichetta: Decca
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The Open Road – John Hiatt
John Hiatt è un artista di culto per chi ama la musica americana. Lui è tra i miei eroi personali da una ventina d’anni, da quando un amico mi fece una cassetta di “Bring The Family”, il suo splendido disco del 1987. Dopo quasi 35 anni di carriera di John Hiatt si ricordano tante cose e lui in tutto questo tempo ha saputo affrontare dal Rock al Blues, dal Country al Folk, molti generi musicali. I suoi dischi forse non sempre sono stati all’altezza delle attese, in ogni caso, almeno due album capolavoro portano la sua firma: il già citato “Bring The Family” e “Crossing Muddy Waters” del 2000. Il resto dei suoi lavori sono stati comunque dignitosi e spesso buoni e questo nuovo “The Open Road” prosegue con questa tradizione di qualità e non delude. Non si può certo parlare di un capolavoro qui, ma di un bel disco sì.
“The Open Road” comincia con la canzone omonima che è un bel pezzo rock da viaggio con dei bei assoli di chitarra e un testo che usa la strada come metafora di vita. È un inizio molto gradevole. La strumentazione è essenziale, chitarra basso e batteria. Mentre la musica attraversa senza fronzoli i generi diversi, dal Blues al Country, le parole dipingono dei piccoli ritratti delle persone ordinarie. C’è chi ha grandi sogni (“Haulin’”), chi grandi rimpianti (“What Kind of Man”) e chi insegue disperatamente l’amore (“Wonder of Love”). C’è molta amarezza per le occasioni perdute ma c’è anche tanta speranza per il futuro. Hiatt è un abile paroliere e riesce sempre a mettere insieme dei bei testi quasi cinematografici.
“Movin’ on” è un altro bel brano con delle note appiccicose, la chitarra slide in bella evidenza e un andamento affascinante. Sicuramente è uno dei momenti migliori di questa raccolta.
L’album si chiude con la bellissima “Carry You Back Home”, una canzone dolce, serena e piena di speranza. Hiatt, dichiara di aver avuto l’ispirazione per queste canzoni guardandosi indietro nello specchio retrovisore dell’auto. Un uomo come lui può guardare la sua vita indietro con serenità. Davanti comunque ha ancora una strada aperta da percorrere.
Titolo: The Open Road
Artista: John Hiatt
Anno: 2010
Produttore: John Hiatt
Etichetta: New West
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IRM – Charlotte Gainsbourg
Charlotte Gainsbourg è figlia del poeta e cantante francese Serge Gainsbourg e dell’attrice e cantante inglese Jane Birkin. Naturalmente con una DNA così non poteva che fare l’artista nella vita e, sempre per via degli stessi geni, ha provocato inevitabilmente un po’ di scandali strada facendo. A parte il cognome importante, la sua notorietà, soprattutto al di fuori dei confini francesi, è legata alla sua attività di attrice e solo un anno fa è stata la protagonista del controverso “Antichrist” di Lars Von Trier. Lei è meno nota come cantante, anche se qualche anno fa ebbe un certo successo in Francia con un disco, prodotto da Nigel Godrich il produttore dei Radiohead . Perciò si può fare un paragone tra lei e le altre attrici che recentemente hanno cercato di passare dal cinema alla musica; in questo senso lo straziante album di Scarlett Johansson resta indimenticabile. Alla Gainsbourg invece la transizione è riuscita perfettamente. Il suo IRM è un lavoro personale, a partire dal titolo (è acronimo di MRI in francese) che ricorda le ore passate da Charlotte dentro una macchina per la risonanza magnetica in seguito ad un’emorragia cerebrale causata da un incidente con gli sci d’acqua. Nel brano omonimo si può sentire dei rumori industriali che ricordano questi macchinari ospedalieri. Il compare della Gainsbourg in quest’avventura è Beck, il rocker più alternativo ed eclettico che ci sia in circolazione, e questa collaborazione fa bene ad entrambi. Tutte le canzoni, tranne “Le Chat Du Café Des Artistes” che è anche l’unica interamente in francese del disco, sono firmati e prodotti da Beck. Naturalmente la musica che emerge da questa operazione ricorda fortemente i lavori di Beck, ma apporto di Charlotte nelle parti vocali rende il tutto decisamente più accessibile e aggiunge un tocco personale. C’è un po’ di tutto: musica elettronica, il pop, il rock e persino il blues (“Dandelion”). Questo mescolamento degli stili è un’altra caratteristica di dischi di Beck, ma la Gainsbourg in più occasioni ha sostenuto di avere avuto un ruolo attivo anche nella fase creativa del lavoro e non solo in quella esecutiva. Molti testi sono scritti sui suggerimenti della Gainsbourg e la cosa si nota. In ogni caso IRM è una bella raccolta che si fa ascoltare volentieri.
Titolo: IRM
Artista: Charlotte Gainsbourg
Anno: 2009
Produttore: Beck
Etichetta: Acoustic Disc/Because Music
[http://www.charlottegainsbourg.com/]
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Scratch My Back – Peter Gabriel
Qui non ci sono chitarre, non si sentono tamburi rullanti, non c’è un basso pulsante ed i sintetizzatori sono banditi. La musica è intimista ed è costruita prevalentemente sugli strumenti ad arco con qualche tocco di pianoforte. Scorrendo i titoli mi sembra di riconoscerli, ma ciò che sento ha nulla a che fare con la musica che quei titoli mi ricordano. “Scratch My Back” è un disco di cover ma ancora di più è un disco di Peter Gabriel. Le sue reinterpretazioni differiscono dai pezzi originali sia in forma sia in sostanza. Nulla di ciò che si trova qui è già sentita. I brani messi in fila hanno una loro precisa logica e ad ascoltarli in questo modo sembra che siano sempre stati così. Eppure sono tutte canzoni più o meno conosciute e hanno una loro propria collocazione nella nostra memoria. “Heroes”, di David Bowie, che apre il disco è rallentata a punto tale da risultare completamente irriconoscibile se non fosse per il ritornello. Le parole arcinote del testo, senza che qualcuno ne avesse cambiato di una virgola, raccontano una storia completamente diversa: questa cosa è magica. La stessa cosa succede anche con le altre canzoni. “The Boy in The Bubble” di Paul Simon per gli argomenti che tratta e soprattutto per come viene interpretata suona attuale in modo stupefacente. “The Power Of The Heart” non è sicuramente il primo brano che viene in mente pensando alla immensa produzione di Lou Reed, come del resto la splendida “Philadelphia” non è la canzone più rappresentativa di Neil Young. Eppure entrambe sono perfette in contesto. L’elenco dei brani include altri mostri sacri (David Byrne e Randy Newman) senza dimenticare artisti più giovani come i Radiohead, Bon Iver e gli Arcade Fire. “Listening Wind”, dei Talking Heads, è racconto di un atto terroristico che nell’interpretazione di Gabriel assume toni caldi e drammatici. I Talking Heads narravano la stessa storia con elettronico distacco: qui sembra di assistere alla proiezione di un film, lì sembrava di guardare la televisione. In conclusione, Peter Gabriel è riuscito a creare qualcosa di originale senza inventare assolutamente niente di nuovo. Il segreto sta nella sua grande sensibilità d’artista e nella scelta accurata dei pezzi. Personalmente ho fatto fatica al primo ascolto di questo disco ma poi sono stato catturato. Si sa già che “Scratch My Back” sarà seguito da un album di canzoni di Peter Gabriel interpretate dagli artisti da lui citati in questo progetto e si sa anche che Bowie si è rifiutato e che sarà sostituito da Brian Eno. Comunque vada sarà una bella sfida.
Titolo: Scratch My Back
Artista: Peter Gabriel
Anno: 2010
Produttore: Bob Ezrin
Etichetta: Virgin
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Contra – Vampire Weekend
“Contra”, il secondo disco dei newyorchesi Vampire Weekend, prosegue i sentieri tracciati nel loro primo album e delinea chiaramente il loro progetto artistico. Le sonorità africane che avevano caratterizzato il loro primo lavoro qui diventano ancora più marcate. “Graceland” di Paul Simon è sicuramente un riferimento in questo senso. Questi figli di buona borghesia ebraica e frequentatori dei college dell’Ivy League, non sono interessati ai concetti di lotta di classe o le difficoltà quotidiane per guadagnare la pagnotta. Loro non fingono di essere ciò che non sono e di questo gliene va dato atto. Nelle loro canzoni si parla dei sentimenti e la confusione esistenziale di chi vive un’epoca che è sostanzialmente priva d’affetti. I testi possono sembrare banali o addirittura insensati – c’è l’orzata che fa rima con l’aranciata, per dirne uno – in realtà sono assai ricercati e complessi. Tutto è un affascinante gioco di accostamenti che inganna e confonde. Questa confusione è funzionale al progetto artistico dei “Vampire”. Una band dei fighetti newyorchesi che suona come un manipolo di Zulu è già un accostamento strano. Come è strana la ragazza bionda della copertina messa vicina al titolo che ricorda i ribelli Nicaraguensi. Un titolo che a sua volta potrebbe essere un omaggio ai Clash di “Sandinista”. I Clash che sono omaggiati, in persona di Joe Strummer, nella canzone “Diplomat’s Son”, figlio del diplomatico, come dire che anche lui a sua volta era un privilegiato se si vuole metterlo così. “Contra” è il primo album importante di quest’anno, anche se è stato registrato l’anno scorso, ed è un bel disco. Meglio non pensare troppo ai Clash, in ogni caso.
Titolo: Contra
Artista: Vampire Weekend
Anno: 2010
Produttore: Rostam Batmanglij
Etichetta: XL Recordings
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Live from Madison Square Garden – Eric Clapton & Steve Winwood
Eric Clapton è un artista che mi esalta e mi deprime nella stessa misura. Di sicuro lui è uno dei chitarristi più grandi del mondo, di sicuro è uno di quelli che hanno stabilito le regole del Rock e solo per questo merita rispetto e l’eterna ammirazione. Però dove mettiamo Clapton manierista, inconcludente, furbo e, nei suoi momenti peggiori, “inutile” che ha inondato gli scaffali dei negozi con dischi a dir poco brutti?
Morale della favola: è lecito dubitare di Eric Clapton, eccome.
Per i motivi menzionati non sarei mai andato da solo a comprare questo doppio CD dal vivo che documenta tre concerti di Eric Clapton con Steve Winwood a Madison Square Garden di New York nel 2008. Sarebbe stato un vero peccato, perché avrei perso qualcosa di splendido. Per fortuna il disco mi è stato regalato e così non ho perso l’occasione. Qui il “Mano lenta” è di nuovo grande e grazie alla vicinanza di Winwood, un musicista un po’ meno miliardario ma più affidabile di lui, torna nei ranghi che gli competono di diritto. Qui c’è il Blues, suonato come dio comanda, il Rock più classico e una passione per la musica che non capita di sentire tutti giorni. Ogni nota è perfetta. Clapton è al top e fa delle cose pazzesche. Winwood, dal canto suo, ci mette alcune canzoni memorabili che portano la sua firma e la sua incontestabile bravura alle tastiere è roba che deve essere portata come esempio nell’università del rock.
Clapton e Winwood, già amici e compagni d’avventura ai tempi di Blind Faith (una “Superband” che più “Super” non si può) alla fine degli anni sessanta, qui rivisitano i loro vecchi successi, ci aggiungono qualche standard di Blues e una forte dose di Hendrix. Il risultato è sempre ottimo e in qualche momento eccellente. Le esecuzioni sono così ben fatte che persino una canzone fragile come “Forever Man” – di Clapton anni 80 – ne esce solida e luccicante come un brano classico e senza tempo.
“Live from Madison Square Garden” è un lavoro bellissimo che dimostra la vera statura artistica di due icone del Rock come Clapton e Winwood. Non ci sono smancerie o furberie. Questa è grande musica da gustare e da assaporare nota per nota.
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Together Through Life – Bob Dylan
Alla veneranda età di 67 anni, Bob Dylan è ancora un’artista ispirato e in grado di sorprendere. I suoi ultimi lavori in studio, almeno da una decina d’anni a questa parte, sono stati apprezzati dai critici e hanno avuto anche delle buone vendite. Ma lui non è tipo da dormire sugli allori e allora eccolo che torna sugli scaffali con un disco nuovo di zecca, dopo appena sei mesi dall’eccellente raccolta d’archivio “Tell Tale Signs”. Registrato nell’autunno 2008, “Together Through Life” è un album che, fin dalla copertina, parla d’amore e delle relazioni romantiche. I musicisti coinvolti nell’operazione sono quelli attualmente in forza nella tour-band di Dylan con alcuni inneschi importanti come Mike Campbell, il chitarrista degli Heartbreakers e David Hidalgo dei Los Lobos alla fisarmonica. La musica, scarna e asciutta, spazia tra il Blues e il Tex-Mex. Le atmosfere sono così omogenee che sembra di ascoltare una lunga suite piuttosto che una raccolta di canzoni. Il filo rosso che unisce musicalmente tutto il lavoro è l’onnipresente fisarmonica di David Hidalgo che con il suo suono chicano colloca inevitabilmente l’azione ai confini con il Messico.
Si parte con l’apocalittica “Beyond Here Lies Nothing”, che stabilisce subito il tema del disco. Si parla delle persone che si amano mentre il mondo va a puttane. La chitarra appiccicosa e pungente di Campbell dialoga con la fisarmonica di Hidalgo. Un ottimo inizio non c’è che dire.
“Life is Hard” racconta di nostalgia e dell’assenza d’amore. Il lavoro di Campbell al mandolino è interessante. Forse è l’unico punto di contatto tra questo album e il precedente “Modern Times”.
“My Wife’s Home Town” ha alcune parti dichiaratamente copiate da Willie Dixon di “I Just Want to Make Love to You”. Il risultato è un bluesaccio con una fisarmonica anziché l’armonica. Gradevole.
“If You Ever Go To Houston” sposta l’azione in Texas e ci chiarisce, una volta per tutte, che Dylan sta immaginando quelle zone di frontiera.
“Forgetful Heart” e “Jolene” sono due belle canzoni che catturano mentre “This Dream Of You” è un trionfo di violini e fisarmoniche. Tex-mex allo stato puro.
Atmosfere tex-mex anche in “I Feel A Change Comin’ On” che è probabilmente la canzone più bella del disco. I testi sono riflessivi, si parla della vita che ormai è andata, ma non c’è tristezza, anzi, probabilmente è il momento migliore per iniziare una nuova storia d’amore. Ottima.
Le canzoni sono dieci e sono tutte scritte tutte tranne una (“This dream of you” che è firmata solo da Dylan ) sono scritte a quattro mani da Dylan e il paroliere Robert Hunter, che aveva già lavorato con lui negli anni 80.
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20 Dischi Live
Recentemente ho avuto la sventura di sentire la vera voce di Britney Spears dal vivo, e questo mi ha ricordato, in un solo colpo, tutti gli artisti che invece sanno cantare e suonare davvero. Perciò ho buttato giù questa lista dei dischi dal vivo che io amo per esorcizzare la Britney e compagna bella. Questi dischi, naturalmente, sono quelli che piacciono a me e non “i migliori dischi live della storia”. Ci sono altri dischi che potevano stare qui dentro ma siccome volevo stare nei 20 dischi, li ho lasciati fuori. La numerazione della lista non serve per stabilire che un disco è meglio di un altro; serve solo per fare un po’ di ordine.
1. Weld – Neil Young & Crazy Horse – 1991
L’esagerata distorsione delle chitarre e il rumore selvaggio suonano assurdamente armoniosi. Neil Young attacca la spina e scarica milioni di decibel sugli altoparlanti. I tempi sono dilatati e la temperatura è elevatissima. I brani classici ci sono tutti: “Cortez The Killer”, “Powderfinger”, “Tonight’s The Night ” e via dicendo. Nonostante l’apparente disordine, non c’è nemmeno una nota fuori posto.
2. At Fillmore East – The Allman Brothers Band – 1971
Un grande gruppo che viene dal sud con due batterie e due chitarristi talentuosi come Duane Allman e Dickey Betts. La banda dei fratelli Allman è dedita all’improvvisazione e questo loro viaggio tra il rock e il blues, con sconfinamenti nel Jazz, è una delle cose più sfavillanti mai ascoltate. I brani chilometrici come “In Memory of Elizabeth Reed” e “Whipping Post” evidenziano la bravura e la creatività dell’intero complesso. Pochi mesi dopo la pubblicazione di questo album, Duane Allman rimase vittima di un fatale incidente motociclistico. Queste esibizioni sono speciali anche per questo motivo, purtroppo.
3. Live At Royal Albert Hall – The Who – 2003
Il disco dal vivo più famoso degli Who è il mitico “Live at Leeds” che è riconosciuto unanimemente, e giustamente, come uno dei più grandi album live della storia. “Live At Royal Albert Hall” è registrato nel 2000, ed è probabilmente meno bello di “Live at Leeds” ma è in compenso più veloce e ha un suono più aggiornato. Qui ci sono tante canzoni stupende. Si possono ascoltare gioielli come “Baba O’Riley” con tanto di violino, “So Sad About Us” in versione acustica e “5.15” in versione extra-long. Ci sono anche diversi ospiti illustri come Paul Weller e Eddie Vedder. Al posto del compianto Keith Moon, uno dei più grandi batteristi della storia del rock, c’è Zak Starkey, il figlio di Ringo Starr, che si dimostra all’altezza del compito. Sempre parlando delle persone scomparse, questa è anche una delle ultime esibizioni documentate del grandissimo John Entwistle al basso.
4. Live Bullet – Bob Seger & The Silver Bullet Band – 1976
Il cantore del Rock della classe operaia, Bob Seger, si esibisce di fronte alla calda platea di Cobo Hall di Detroit in Michigan, il suo stato d’origine. Ciò che stupisce non è solo la bellezza delle canzoni, ma l’intensità della performance nel suo insieme. Un classico.
5. Live at the Harlem Square Club – Sam Cooke – 1963
In questo club di Miami va in scena il Soul, la musica dell’anima. Il maestro cerimoniere è Sam Cooke, uno dei primi artisti a essere passato dal gospel alla musica pop: dal sacro al profano. Il concerto dura poco più di mezz’ora, ma è indimenticabile in ogni senso. La gioia sfrenata delle canzoni come “Twistin’ the Night away” esalta il pubblico fino a farlo diventare parte integrante dello spettacolo come fosse uno strumento musicale. Un paio d’anni dopo sarà ucciso per mano di un’amante, ma Sam Cooke canta come se dovesse vivere per sempre.
6. 1,2,3 Soleils – Rachid Taha, Khaled e Faudel – 1999
L’orgoglio di un popolo maltrattato si trasforma in musica. Gli Algerini di Francia cantano e ballano al suono del Raï, la loro musica d’elezione, e il loro entusiasmo è contagioso. Sul palco ci sono i tre massimi rappresentanti della musica algerina: il giovane Faudel, l’eclettico Rachid e il maestro Khaled. Non serve capire le parole, il ritmo è primordiale e va diritto al cuore.
7. Aloha from Hawaii: Via Satellite – Elvis Presley – 1973
Il look eccentrico e il tuono melodrammatico non devono ingannare, perché Elvis sta facendo grande musica e canta come nessun altro. Forse non è più il rocker di un tempo, ma il re è sempre lui. Basta ascoltarlo mentre passa, con disinvoltura e classe, da un genere musicale all’altro per capire il motivo. I brani come “It’s Over” o “American Trilogy” sono da brivido. Il concerto era originariamente trasmesso in TV via satellite, come dice il titolo.
8. It’s Too Late To Stop Now – Van Morrison – 1974
Questo straordinario doppio album, registrato tra Londra e Los Angeles nel 1974, cattura Van Morrison in uno dei momenti migliori della sua carriera. Ad accompagnare l’artista Irlandese c’è la Caledonia Soul Orchestra, una band affiatata e affollata con tanto di sezione d’archi e fiati. Tra questi musicisti c’è anche uno dei suoi più fedeli compari, John Platania alla chitarra. Accanto ai classici del repertorio Morrison si possono ascoltare degli standard di blues (“Help Me”, “I Just Want to Make Love to You”) e R&B (“Bring It On Home to Me” di Sam Cooke). Dagli esordi con i Them arrivano “Gloria” e “Here Comes the Night” che vanno ad aggiungersi alle versioni scintillanti dei grandi successi come ”Domino” e “Caravan”. La finale è tutta per “Cyprus Avenue” che fa venire la pelle d’oca per quanto è bella.
9. The Name of This Band Is Talking Heads – Talking Heads – 2004
Il titolo serve per far capire che il nome del gruppo è “Talking Heads” e non “The Talking Heads”: uno di quei giochetti sottili che piacciono tanto a David Byrne. Il materiale presentato in questo doppio CD non proviene da un unico concerto, ma da una serie di esecuzioni, in varie località, tra il 1977 e il 1981. Il repertorio è quello dei primi quattro album in studio, perciò la qualità è sempre altissima. Il quartetto occasionalmente si espande, con aggiunta dei coristi e percussionisti, fino ad arrivare a una dozzina di elementi. I ritmi africani sposano il minimalismo e le nevrosi Newyorkesi. Un po’ cerebrale e un po’ viscerale, è una raccolta da non perdere.
10. 4 Way Street – Crosby, Stills, Nash & Young – 1971
Quattro personalità diverse e quattro differenti modi d’intendere la musica s’incrociano e si completano. Neil Young sovrasta gli altri con il materiale proveniente dal proprio repertorio solista; “Cowgirl In The Sand” e soprattutto “Southern Man” sono i momenti migliori dell’intero set. La presenza ingombrante del canadese, tuttavia, non sminuisce il valore degli altri: Stills risponde con la lunga e stupenda “Carry On”, Graham Nash con la pedagogica “Teach your Children” e David Crosby con la peccaminosa “Triad”. Le rivalità per il momento sono accantonate in favore dell’armonia e il piacere di suonare insieme. Tutto è troppo bello perché duri, poco dopo, infatti, ognuno andrà per la propria strada. Da questo loro momento magico, restano queste registrazioni che raccontano le utopie di una generazione e un sogno chiamato West Coast.
11. The Bootleg Series Vol. 4: Bob Dylan Live 1966, The “Royal Albert Hall” Concert – Bob Dylan – 1998
Bob Dylan reclama la propria autonomia come artista. Lui ha altre idee per la testa e decide di andare per la propria strada e decide di farlo in modo più chiassoso possibile. Il pubblico è un po’ frastornato e un po’ ostile. Da queste premesse nasce questo storico concerto che in qualche modo certifica la nascita del rock: una musica più adulta del rock & roll e più profonda del pop adolescenziale. I complici del misfatto sono gli Hawks che presto cambieranno il loro nome in “The Band”. Diviso in due set, uno acustico e uno elettrico, questa splendida esibizione non ha imperfezioni o momenti di debolezza. Il concerto si svolge in realtà a Manchester, ma i pirati che hanno distribuito il disco per primi, e illegalmente, hanno indicato erroneamente Londra.
12. "Live" Full House – J. Geils Band – 1972
La vera essenza del Rock & Roll concentrata in una registrazione piena di gioia di vivere e divertimento. Mentre il cantante Peter Wolf istiga la gente a partecipare alla festa, la chitarra del titolare dell’azienda, Jerome Geils, ingaggia duelli mozzafiato con l’armonica di “Magic Dick” Salwiz. Qui c’è del grandissimo Blues con brani come “Homework” (di Otis Rush) e “Serves You Right to Suffer” (di John Lee Hooker). La combinazione delle carte da gioco illustrata sulla copertina non è un Full, come è dichiarata nel titolo “Full House”, ma un Tris semplice. Questo dettaglio ha poca importanza perché con questo disco si vince sempre.
13. Live at Luther College – Dave Matthews and Tim Reynolds
Una Rockstar abituata agli stadi e alle arene affollate, si esibisce in una sala piccola e in compagna di un amico chitarrista. Il set è totalmente acustico e comprende delle canzoni splendide provenienti dal catalogo di Dave Matthews Band (“Satellite” e “Crash into me” per citarne due) accanto ai brani ancora inediti al momento della pubblicazione. L’alchimia tra i due protagonisti è totale, Dave Matthews canta veramente bene, mentre la performance di Tim Reynolds alla chitarra rimane indimenticabile.
14. Live/Dead – The Grateful Dead – 1969
La reputazione dei Grateful Dead, sin dai loro inizi, è legata alla loro attività concertistica. Per quasi trent’anni, questi alfieri di psichedelia hanno “allargato la coscienza” dei milioni di fan riempiendo stadi e arene a ripetizione. Dalle loro leggendarie esibizioni sono state tratte decine, se non centinaia di dischi singoli, doppi, tripli e quadrupli. “Live/Dead”, registrato al San Francisco nel 1969, oltre a essere il primo di questi album è probabilmente uno dei migliori; con brani fluviali che non seguono schemi e lasciano ampio spazio alla creatività e all’improvvisazione. Con i Dead si sa da dove si parte, ma non si sa né dove né quando si arriva. Il viaggio in ogni caso è sempre bello.
15. A Little South of Sanity – Aerosmith – 1988
Erano l’incarnazione del sesso, droga e Rock & Roll negli anni 70. Poi hanno esagerato e sono finiti praticamente sotto il ponte. Dopo una decina d’anni, passati a ripulirsi, sono tornati alla grande. La loro musica, una miscela tra il blues e l’hard Rock, è puro intrattenimento. Gli Aerosmith dal vivo sono una bomba. Steven Tyler è un autentico animale da palcoscenico e sprizza energia da tutti i pori.
16. Dal Vivo (Vol.1/ Vol.2 /Vol.3) – Ivano Fossati – 1993, 2004
Ok, questi sono tre dischi, ma sono perfettamente interscambiabili tra di loro. I primi due risalgono a 1993 e sono registrati a Cremona, con una band in stato di grazia, e un repertorio che mostra tutta la bravura di Fossati sia come autore che come interprete. Il terzo volume invece documenta l’attività concertistica del cantautore Genovese a un decennio di distanza dai predecessori con delle atmosfere più acustiche e intimiste. Ripercorrere la storia artistica di Ivano Fossati attraverso queste canzoni è sempre bello.
17. Concerti – Paolo Conte – 1985
Tra le dolcezze di Harry’s Bar e le tenerezze di Zanzibar c’è questo delizioso album di Paolo Conte che mette in fila molti dei suoi successi dal vivo. Gli arrangiamenti sono assai curati e passano per le mani dei musicisti di valore assoluto. Tutto è spontaneo e mai scontato. L’avvocato di asti descrive la Parigi in quattro parole. Sembra di vedere una mostra di disegni ad acquarello.
18. Get Yer Ya-Ya’s Out! – The Rolling Stones – 1970
Gli Stones hanno un nuovo chitarrista, Mick Taylor, e sono in forma smagliante. L’anno è il 1969, il luogo è Madison Square Garden di New York. Il repertorio deriva in gran parte dai loro precedenti due album in studio, “Beggars Banquet ” e “Let it bleed”, universalmente riconosciuti come due dei più grandi dischi di sempre. Scusate se è poco.
19. Rewind – Vasco Rossi – 1999
L’unico rocker che preferisce l’amaro Montenegro al Jack Daniels, ovvero l’unico vero rocker che c’è in Italia. La musica di Vasco sarà casereccia ma è trascinante. Alcune sue canzoni poi vanno cantate a squarciagola soprattutto in macchina (e al semaforo ti prendono per pazzo). Qui ci sono alcune di queste: “Ormai è tardi”, “Siamo solo noi”, “Senza Parole” e “Vita spericolata” per non parlare delle perle dimenticate come “Valium” e “Jenny è pazza”.
20. Live in The Promised Land / Hammersmith Odeon London ’75 – Bruce Springsteen & The E Street Band – 1978 / 2005
Bruce Springsteen è uno dei più grandi interpreti del rock dal vivo. Forse il più grande che ci sia mai esistito. I suoi leggendari concerti da oltre trent’anni regalano emozioni forti e mandano in visibilio milioni di fan in tutto il mondo. Eppure la discografia ufficiale del Boss non include dischi dal vivo in grado di trasmettere il calore e l’intensità delle sue esibizioni in modo appropriato. La proverbiale cura minuziosa che Bruce ci mette a preparare i suoi lavori, paradossalmente, ha finito per penalizzare la trasposizione dei suoi concerti sul disco. Gli episodi live della discografia suonano generalmente un po’ freddi e mancano di spontaneità. Intendiamoci, sono tutti dischi bellissimi ma chi ha visto Bruce dal vivo sa che manca qualcosa. I bootleg, che sono assai poco curati, invece documentano i concerti così come sono, le imperfezioni e le pause comprese. “Live In The Promised Land”, purtroppo, è un bootleg e racconta Bruce e la banda all’apice della loro forza espressiva e in un momento magico della loro esistenza. La registrazione risale al “Darkness Tour” del 1978 al “Winterland” di San Francisco. Il natale è vicino perciò la banda aggiunge qualche regalo natalizio (la versione rock di “Santa Claus is Coming to Town” con Clarence vestito da babbo natale) alla già incredibile scaletta. La qualità del suono non è granché, ma questo non conta. Ciò che è importante è l’energia, l’atmosfera e i battiti del cuore. Bruce oggi è ancora bravo, probabilmente più bravo di allora, ma la magia di quei concerti è ineguagliabile.
L’unico disco della discografia ufficiale di Bruce che rende realmente giustizia al suo autore è il magnifico “Hammersmith Odeon London ’75”, che conserva intatto la magia del primo concerto europeo della E Street Band. Speriamo che Bruce decida di fare la stessa operazione con i concerti del 78 e anche con gli altri tour.
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